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01.06.18 - 01.09.18

¿Cómo navegamos a través de un mundo globalizado dominado por el auge de fronteras?

La exposición estival de este año en el CCA Andratx, Border Matters está protagonizada por Susanne Rottenbacher y Claus Rottenbacher y se presenta como un escenario teatral donde las cuestiones fronterizas, tanto históricas como contemporáneas acuden con indecisión al encuentro del espectador. Sirviéndose de la luz como medio común, ambos artistas alemanes se centran en la exploración de las fronteras intangibles, ya sean la tensión geopolítica en Gibraltar o la percepción sensorial de la presencia corporal en el espacio. Border Matters es una reflexión sobre las concepciones actuales de las fronteras, tanto desde el punto de vista físico como conceptual, proporcionando diferentes perspectivas que se enfrentan a la liminalidad de la anticipación.

La presente exposición comprende dos proyectos individuales:

Por un lado, la serie fotográfica Non Plus Ultra de Claus Rottenbacher explora la trascendencia de Gibraltar como el testimonio en piedra de una frontera brutalista entre Gran Bretaña y el Reino de España. Las fotografías tomadas en 2016, geopolíticamente, recordemos, un año de irrupciones drásticas como el Brexit y las elecciones presidenciales en Estados Unidos, continúan a día de hoy siendo testigo y vivo recuerdo de la tensión actual. Dibujando con luz, como sostiene la raíz etimológica de "fotografía", Claus Rottenbacher crea tableaux vivants contemporáneos, no obstante desprovistos de humanos pero manifestando su presencia a través de las intervenciones arquitectónicas en el escarpado paisaje gibraltareño. Es más, el Peñón se convierte en el protagonista principal de estas capturas de tiempo. Es en este impasse, justo en el momento en que la lente de la cámara se abre y se cierra, donde la obra de Claus Rottenbacher refleja un estado de ánimo que nosotros, todavía hoy, nos sentimos reacios a sobrevenir.

Por otro lado, Border Matters también implica un ejercicio de introspección para el espectador, a través del cual uno se da cuenta de sus propias limitaciones físicas y de su posicionamiento dentro de un entorno en constante cambio. Tal y como en una obra de teatro, la cuarta pared que supuestamente separa a la audiencia de los actores, ésta sea una nueva frontera que sobrepasar. Gracias a su trayectoria profesional como escenógrafa, Susanne Rottenbacher ha preparado la escena llenando la CCA Kunsthalle de luz, que transformándose en materia nos induce a una contemplación luminosa. Su instalación de luz de 10 x 10 x 4 metros interpreta a un fantasmagórico cosmos de luz en un constante movimiento explosivo, pero fijo a la vez como un flash estroboscópico; y que como resultado ofrece una nueva percepción de los límites a la vez que sacude nuestra noción de cómo nos definimos constantemente por fronteras. Se crea por ende así un suspenso inagotable del viaje a terrenos aún inexplorados.

¿Cómo navegamos a través de mundo globalizado dominado por el auge de las fronteras? Nos podemos preguntar otra vez ...

Los hitos nos guiarán en el camino, del mismo modo que en tiempos pasados marineros y conquistadores usaron el sol y las montañas como referencia para orientarse en el mar y descubrir nuevos territorios. Según el mito, el lema "Non Plus Ultra" estaba tallado en los Pilares de Hércules como advertencia de que no había "Nada más allá". Pero tras romper la montaña que dividía el Océano Atlántico y el Mar Mediterráneo, se abrió una puerta para establecer nuevos vínculos. Así pues, cabe preguntarse cómo puede ser, que incluso después de 500 años figurando el lema "Plus Ultra" en el Escudo de España, todavía no sepamos lo que nos aguarda más allá.

Diseño y Concepto de la Exposición por Frank Hauschildt, artista y comisario de Berlín

28.06.18 - 23.09.18

når himmelen klarner

Kenneth Alme, Are Blytt, Lina Viste Grønli, Halvor Rønning, Camilla Steinum

Comisariada por Are Blytt

El CCA Andratx tiene el placer de acoger la exposición når himmelen klarner presentando a los artistas noruegos Kenneth Alme (1981), Are Blytt (1981), Lina Viste Grønli (1976), Halvor Rønning (1984) y Camilla Steinum (1986).

La exposición que ha sido especialmente creada para la CCA Kunsthalle, presenta por primera vez juntas las obras de estos cinco artistas que viven en Oslo, Bruselas, Berlín y Boston. Invitados por Are Blytt, los artistas también han tenido la oportunidad de trabajar en los cuatro estudios del CCA Andratx como parte del programa de artistas en residencia durante el mes de junio de 2018.

El objetivo artístico de Lina Viste Grønli es la materialización del lenguaje, a menudo representada a través de la combinación semiótica entre escultura y collage. Su obra investiga las tensiones entre los objetos físicos y los sistemas abstractos que extrae de la cultura popular y objetos cotidianos para proponer alternativas y redefiniciones. Durante su estancia en el CCA ha trabajado fusionando objetos encontrados en su entorno inmediato, principalmente el patio exterior de su estudio y el supermercado local.

Camilla Steinum presenta una serie de esculturas compuestas por dos lenguas que crecen desde la misma base, que se curvan y se retuercen como si estuvieran tratando de hablar o comunicarse. En su obra encontramos varios ejemplos con este mismo motivo y aunque todos se basan en la misma premisa, cada obra es diferente en el movimiento, forma y dirección. Las esculturas están moldeadas en silicona con pigmento rojo, resultando en obras increíblemente realistas, a la vez que extrañas e inquietantes; simbolizan la unión del lenguaje como medio de comunicación y la vulnerabilidad subyacente.

La obra de Halvor Rønning traduce elementos apropiados de la cultura popular visual en pinturas abstractas, dibujos figurativos y collages. Las obras seleccionadas para la exposición en el CCA aúnan la ambivalencia fundamental tanto para el mundo utópico de la pintura como para el mundo ficticio idealizado que se comunica a través de la cultura del mass-media. Mediante el uso del formalismo y los comentarios humorísticos, Rønning reniega de cualquier posición desde la que desear o ironizar, sin predominio del material, y enredando así al espectador y al artista a través de una mutua repulsión y la atracción.

Las piezas dípticas de Kenneth Alme suelen aparecer compuestas por dos lienzos que cuelgan uno junto al otro, de tamaños ligeramente diferentes, uno de algodón y otro de lino y que tienen como base la fragmentación de la historia y la información. Su trabajo a partir de ciertas técnicas específicas de impresión y pintura agregan distorsión al material visual empleado,y permiten a Alme explorar la historia y la información humana, así como la reutilización y el reciclaje de ésta.

El trabajo de Are Blytt presenta oraciones cortas en negro sobre un fondo blanco, todas en mayúsculas y del tamaño de hojas A4 sobre lienzos de lino de gran formato sin bastidor. Estas oraciones aparecen como haikus, tales como EITHER / OR. Inspirado por el libro de Søren Kierkegaard Enten-Eller de 1843, las obras de Blytt representan dos puntos de vista sobre preguntas existenciales y sobre la pregunta principal, ¿cómo debería uno vivir?

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