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18.04.19 - 14.07.19

Tenemos el placer de invitarte a la inuguración de la exposición el próximo jueves 18 de Abril entre las 19-21h en la CCA Kunsthalle

El término "todo incluido" obviamente denota unas vacaciones en las que todas las comidas, bebidas y actividades están incluidas en el precio total. Pero, ¿cuál es tu sueño de todo incluido? ¿Puedes hacerlo realidad? ¿Cómo se han formulado y manifestado los sueños de abundancia en el pasado? Y, ¿Cómo se visualizan hoy en día?

En una de las obras de la exposición se puede leer la frase "tú me hiciste". Este breve texto, conlleva una doble interpretación semiótica, extensible a todas las obras de la exposición. Por un lado supone una autorreflexión de la propia pintura, que responde directamente al artista; pero por otro lado, alude a todas las figuras representadas en las obras que la rodean. A pesar de no encontrarse en una galería de retratos, estas figuras habitan el espacio expositivo como acogedores anfitriones(fantasmas). Entrelazados dentro y fuera de gradientes de colores de ensueño y organizados en estanterías junto con otros objetos, estos individuos se convierten en musas que dan vida a excéntricas herederas y poetas italianos del siglo XX, actores de cine, ocultas criaturas de inteligencia artificial, así como a las estrellas del pop contemporáneo, que entretienen la exposición como casuales encarnaciones de la decadencia, que disfrutan plenamente de su libertad de ansiedad o responsabilidad. Estos personajes dan la bienvenida al espectador a su propio y perfecto resort - una realidad de ensueño. La frase "tú me hiciste" funciona en última instancia como una referencia a la idea de que, al final, cada uno es responsable de la creación de su propia narrativa.

Iconos del pop y cromoterapia

El proceso artístico de Ditte Ejlerskov a menudo implica una interacción con Internet: correspondencias escritas con estafadores de correo electrónico, imágenes de paparazzi descargadas de Google y vídeos de música contemporáneos conforman su universo. Con desdén y fascinación por igual, Ejlerskov utiliza al icono del pop Rihanna como un motivo recurrente en su obra. En las presentes obras se encontrarán las imágenes de Rihanna y Minaj, pero en lugar de actuar como fan-art, invitan al espectador a iniciar su propio viaje hacia sus propias fantasías.

En su pintura abstracta y figurativa, Ejlerskov analiza y explora el potencial de la pintura como medio en sí mismo y, al mismo tiempo, trabaja como herramienta para interpretar nuestros sueños contemporáneos. Recientemente su trabajo se centra en los aspectos formales de su práctica, representados aquí por una serie de gradientes de color de gran formato pintados a mano. Estas obras se presentan como cromoterapias bidimensionales curativas y ligeramente vibrantes, pero estáticas. Los efectos de la cromoterapia ya fueron debatidos en el 1025 por el Canon Persa de Medicina, y metodológicamente consisten en el uso de la luz en forma de color para equilibrar la falta de energía en el cuerpo de una persona, a niveles físico, emocional, espiritual y mental.

Paraíso terrenal

De la misma parte del mundo, pero remontándose al año 4000 a.C., Furåker ha encontrado en los antiguos jardines persas un elemento inspirador sobre el que ha trabajado continuamente en su práctica y ha explorado sus influencias sobre los jardines andaluces o indios. En una serie en curso de pinturas, bajo el título "Paradisus Terrestris" - el Paraíso Terrenal -, Furåker representa jardines de la Antigüedad y del Renacimiento. La tradición de los jardines muestra una fuerte necesidad de utilizar la vegetación, la gravilla, la arquitectura y el agua para recrear espacialmente un nuevo mundo. Estas obras actúan como un microcosmos que reúne en su interior todas las mitologías culturales y seduce al observador para entrar en un paraíso imaginario.

Luisa Cassati, la mujer que se hizo a sí misma

Las personalidades, y sus vidas, son también un elemento importante en la práctica pictórica de Furåker y frecuentemente aparecen representadas en sus obras como mitos y se encuentran en situaciones, lugares y grupos de personas o eventos concretos. En la presente serie de obras, Furåker ha profundizado en la vida de Luisa Cassati, una excéntrica heredera y mecenas italiana. Esta mujer extravagante se disfrazaba de emperatriz bizantina, anhelando no sólo convertirse en una, sino también ser una obra de arte viviente.

En este momento, ¿recuerdas la pintura de "tú me hiciste" desde el principio?

Ditte Ejlerskov (DK, 1982) ha expuesto principalmente en Suecia, por ejemplo en Röda Sten Konsthall en Gotemburgo, Malmö Konsthall y Malmö Art Museum en Malmö, Kristianstad Art Museum, Uppsala Art Museum, Ystad Art Museum, The Museum of Sketches en Lund y en The Royal Academy en Estocolmo. Ha expuesto en Noruega en Kristiansand Kunsthall, Stenersenmuseet en Oslo, KUBE en Ålesund y Gallery North Norway en Harstad. En Dinamarca, en Aarhus Kunstbygning, Kunsten en Aalborg, Arken en Ishøj, Art Centre Silkebord Bad y Museums Centre Aars, Den Frie Udstillingsbygning y Kunsthal Charlottenborg en Copenhague. En el Museo de Arte de Bonn en Alemania, Cneai en Chatou en Francia y el Museo de Arte Amos Anderson en Helsinki, Finlandia. A finales de este año inaugura una exposición en Viborg Kunsthal en Dinamarca y ahora exhibe por segunda vez su obra en el CCA Andratx.

Johan Furåker (SE, 1978) ha expuesto en CAPC en Burdeos, Francia. También ha expuesto en Cneai en Chatou y en Espace pour l'art en Arles. Ha exhibido sus obras en diversas instituciones como el Museo de Arte de Reykjavik en Islandia, el Museo de Arte de Hämeenlinna y el Museo de Arte de Turku en Finlandia, en KUBE en Ålesund, la Galería Norte de Noruega en Harstad y en el Vestfossen Kunstlaboratorium en Noruega, en Hannover Kunstverein en Alemania y en el Museo de Arte de Malmö, en el Inter Arts Center de Malmö y en el Museo de Arte de Ystad en Suecia, en Die Diele, Zürich, Suiza, en Ringsted Galleriet, en el Centro de Arte Silkebord Bad y en el Centro de Museos Centre Aars en Dinamarca y en CAVE / AYUMI GALLERY en Tokio, Japón. Actualmente prepara una exposición individual en Noruega en Kristiansand Kunsthall. Esta muestra también marca su segunda exposición en el CCA Andratx.

The exhibition is supported by IASPIS, The Swedish Arts Grants Committee's International Programme for Visual Artists.

29.03.19 - 30.06.19

Tenemos el placer de invitarle a la inauguración de la exposición el jueves 18 de Abril entre las 19-21h en la CCA Kunsthalle

ARTISTAS: Kristian Kragelund (DK), Elisabeth Molin (DK), Karl Monies (DK) y Nathan Peter (US)

El CCA Andratx se complace en presentar la exposición colectivaLe Hasard et la Nécessité, que reúne cuatro expresiones artísticas diferentes que profundizan en el azar y la necesidad. Inspirada en el título del libro del bioquímico francés Jacques Monad, ganador del Premio Nobel en 1970, el CCA trata de cuestionar la relación entre los encuentros fortuitos, las coincidencias y las oportunidades y la irremediable necesidad de elección.

Monad concluye, inspirado por los Existencialistas, que "el hombre por fin sabe que está solo en la insensible inmensidad del universo, del cual ha surgido sólo por casualidad. Su destino no está explicado en ninguna parte, ni tampoco su deber. El reino de arriba o las tinieblas de abajo; le corresponde a él elegir".

Karl Monies cree menos en el azar, pues trabaja siguiendo los7 Principios Herméticos, uno de los cuales es la correspondencia, "Como es Arriba, es Abajo"; otro es el movimiento pendular del Ritmo; pero quizás el más interesante en este contexto es el principio no. 6: "Causa y Efecto", afirmando que la casualidad no es más que un término para describir algo que es desconocido en nuestros planos de existencia. Sirviéndose de su archivo personal, consistente en una recopilación de recuerdos y fragmentos de su vida de los últimos 10 años, durante el último mes ha estado reuniendo estas nuevas/viejas imágenes casi "olvidadas" en constelaciones de Principios.

Durante su residencia en el CCA Andratx, Monies ha continuado desarrollando dos series de trabajos: susContainers de cerámica y poliestireno y sus tapicesComforts. Los primeros funcionan literalmente como sorprendentes contenedores escultóricos de cualquier cosa, cualquier pensamiento, cualquier idea, cualquier propósito o simplemente pura energía. Se puede pensar en la teoría de la bolsa de mano de Ursula K. Le Guin, que explica cómo los contenedores han jugado siempre un papel esencial, y quizás subestimado, a lo largo de toda la historia de la humanidad; el contenedor es entendido como el cuerpo, el espacio de la vivienda, la biblioteca, el museo, el útero, la matriz.

Comforts consiste en una serie de textiles meticulosamente bordados a mano, que además de sus patrones geométricos y sus particulares esquemas de colores blanqueados y teñidos, desencadenan inmediatamente el sentido háptico y quizás incluso sinestésico del observador, que es capaz de imaginar lo cómodo que es estar envuelto en una manta y cómo cualquier tipo de tejido se convierte en un elemento protector; como una capa separadora o punto de conexión entre nuestros cuerpos y el mundo.

"Cuando tenía nueve años, el mundo también tenía nueve años. Al menos, no había diferencia entre nosotros, ni oposición, ni distancia. Sólo paseábamos desde el amanecer hasta el atardecer, la tierra y el cuerpo tan parecidos como dos peniques. Y nunca hubo una palabra dura entre nosotros, por la sencilla razón de que no había ninguna palabra entre nosotros; nunca nos dijimos una palabra el uno al otro, el mundo y yo.

Nuestra relación iba más allá del lenguaje y, por lo tanto, también más allá del tiempo. Éramos un espacio grande (que era, por supuesto, un espacio muy pequeño). Y justo en ese momento (en el que no había momentos en el tiempo), la escuela comenzó a enseñarnos sobre todos los momentos del mundo en el tiempo.

Cuando cumplí diez años, el mundo de repente cumplió diez millones de billones de años".

EnCOMFORT 732/00/ Elisabeth Molin aborda la entropía - el "desorden perfecto" o "la aleatoriedad de un sistema cerrado" - que resulta de la curiosidad de cómo la arquitectura y los artefactos urbanos afectan al cuerpo humano. Su trabajo entrelaza fotografía y breves textos poéticos, creando un prisma de diferentes enfoques sobre el tema. Mientras que las fotografías visualmente se refieren a momentos de intersección, el texto describe encuentros corporales con materiales sintéticos, pantallas y datos.

Las obras de Molin actúan como una serie de encuentros fortuitos; los motivos en sus imágenes nunca están escenificados, sino que siempre son encontrados y se fotografían tal cual aparecen. Apuntan a lo microscópicamente pequeño, a las transformaciones del día a día y a un estado entre estados. En lugar de separar lo natural de lo artificial, las fotografías muestran los encuentros, a menudo surrealistas y mágicos, entre los ritmos mecánicos y orgánicos de la ciudad.

El títuloCOMFORT 732/00/ hace referencia a una nota que encontró un día en la calle, que le intrigó pero que no pudo descifrar; parecía contener una paradoja entre un estado de ánimo y un momento particular, aunque el tiempo era obsoleto, una fecha imaginada atrapada entre el pasado, el presente y el futuro.

"Si nuestro espacio, nuestro mundo, no hubiera adquirido tiempo, ciertamente habría adquirido profundidad. Y definitivamente habría sido agitado."

Las dificultades para comprender las cosas que existen fuera de "nuestro" tiempo y a través de "nuestro" lenguaje han llevado a menudo a los artistas a un examen en profundidad de la materialidad de las cosas. Intentando comprender la función y el significado de los materiales (a veces invisibles) con los que nos rodeamos, vemos en las obras de Kristian Kragelund un proceso cuidadosamente organizado, controlado y riguroso de estratificación de la fibra de vidrio sobre el lienzo, sólo para dejarla reaccionar y responder a sus gestos subyacentes, permitiendo que surjan las coincidencias.

Acercándonos a sus obras verticales, podemos vislumbrar el toque humano del artista, que deja su huella en el lienzo con trazos intuitivos, aunque influidos por su conocimiento inherente de cómo forma parte de un sistema mayor. Las líneas diagonales conectadas recuerdan a los esquemas de un código computacional, como la manifestación visual de un algoritmo, tal vez similar al que creó el patrón de la fibra de vidrio, determinado por valores de la máxima fuerza y capacidad. El proceso de estratificación se asemeja a la tensión entre la naturaleza y la tecnología, desde lo biológico -el propio artista- imitando la inteligencia artificial -el algoritmo- hasta la fibra de vidrio generada por ordenador, que imita la flexibilidad del tejido orgánico o la piel. El encuentro entre el dibujo y el lienzo revela accidentalmente un patrón "simulando" la naturaleza realzada por la aparición de las burbujas de aire entre la creación de una superficie como la seda y la fusión del hombre y la máquina en un proceso de lo que el artista considera un colapso moral en la sociedad.

"Toda la superficie de la Tierra debería estar cubierta por sensores colocados con medio metro de separación entre ellos, capaces de recopilar datos que luego serían compilados en una enorme computadora. Pero casi en el mismo momento en que el ordenador iniciaría sus cálculos, aparecerían en los intersticios entre los sensores desviaciones muy pequeñas que al principio darían lugar a cálculos erróneos muy pequeños en el ordenador, errores que, sin embargo, se extenderían y crecerían rápidamente hasta llegar a ser mundiales".

"Los pequeños intersticios entre nuestros sentidos, entre la consciencia y la inconsciencia, entre los espacios, entre las palabras."

La sugerencia del intersticio como un lugar amorfo para el devenir, nos lleva al cuarto artista de la exposiciónLe Hasard et la Nécessité, Nathan Peter. Con un doble enfoque, Peter utiliza su conocimiento de la historia del arte como punto de referencia, inspirándose especialmente en el teatral mundo Barroco de las ilusiones, trabajando con elementos como el pliegue y el espejo. Partiendo de estas ideas, examina la materialidad de los recursos pictóricos como el color y el lienzo. El resultado se convierte en lo que él llama una pintura "negativa", un objeto escultórico al revés, desmenuzado, plegado y desplegado, desentrañado y, de alguna manera, desensamblado en su laboriosa actuación en el estudio como una forma de destilar información tanto física como filosófica sobre la "pintura" en su esencia misma.

En cuanto al azar y la necesidad, Peter dice que le gusta la posibilidad de que algo se expanda infinitamente, como el pliegue: "En sus movimientos existen infinitas oportunidades de separarse, de volverse a juntar, una y otra vez. Visualmente, uno quiere volver a plegarla, pero debido a la falta de bastidores, que limitarían físicamente la pintura, hay infinitas posibilidades de que la obra crezca fuera del marco en un movimiento continuo".

"Sólo sabemos que hay algo que llamamos azar. Que hay algo que percibimos como casualidad. Sin embargo, puede haber algo acerca de esta oportunidad que no percibimos. El azar podría incluso ser cumplido por una orden, que fluye en frecuencias diferentes a las que nuestros sentidos humanos son capaces de sintonizar".

23.03.19 - 30.05.19

Tenemos el placer de invitarte a la inauguración de la exposición el próximo Sábado 23 de Marzo entre las 11 y las 14h como parte del Programa de ArtPalma Brunch

El CCA Andratx tiene el placer de presentar esta primavera su primera exposición en colaboración con la Galería Pelaires de Palma. Con motivo del ArtPalma Brunch, queremos trasladar una pequeña parte del paisaje que rodea el CCA al histórico espacio de Pelaires, esperando compartir y comentar nuevos puntos de vista hacia el tema paisajístico con nuestros nuevos y viejos amigos de Palma.

A landscape of the nature within (Un paisaje de la naturaleza interior) es una exposición colectiva que reflexiona sobre el atemporal tema del "paisaje";

en un sentido físico refiriendo al paisaje de la Sierra de Tramuntana que rodea nuestro Centro de Arte Contemporáneo de 4.000 metros cuadrados en la costa oeste de Mallorca;

en un sentido metafórico aludiendo al paisaje del mundo del arte global, que se evidencia a través del renombrado Programa de Residencias para Artistas del CCA, que ya ha alojado a más de 600 artistas internacionales.

Los tres artistas, Carsten Fock (DE), Absalon Kirkeby (DK) y Karl Troels Sandegård (DK) han participado recientemente en la residencia del CCA. Para reflejar la diversidad de prácticas en los estudios, nos enorgullece presentar a un pintor, un fotógrafo y un escultor, todos ellos abordando el paisaje desde ángulos muy diversos.

Carsten Fock es un paisajista contemporáneo cuyas obras no sólo representan el paisaje alrededor de los estudios donde fueron realizados, sino que también tienen un fuerte toque personal y emocional, expresado a través de la naturaleza interior. Al examinar sus pinturas, se puede intuir como los gestos de sus pinceladas son muy similares a los de su escritura, y es que la mezcla de texto e imagen crea una tensión contradictoria y simbiótica a la vez. Los trazos rápidos y expresionistas equilibran la pintura hasta tal punto que formalmente puede leerse como una composición musical.

Equivalente a la fuerza dialéctica entre gesto y texto en las pinturas de Fock, encontramos en las obras de Absalon Kirkeby una correspondencia similar entre la fotografía analógica y las "pinceladas" digitales que se funden en el proceso de sus propios paisajes visuales. A través de motivos tomados de escenas urbanas que se distorsionan en pequeños fragmentos de percepción, Kirkeby ofrece al espectador la oportunidad de sumergirse en su propio paisaje interior, donde las balizas personales de cada uno afloran al reconocerse en la abstracción.

Una tercera posición apunta hacia un enfoque orgánico. Los "bio-paisajes" de Karl Troels Sandegård se desarrollan orgánicamente con productos químicos que reaccionan sobre diferentes metales. Sus autorretratos no nos dicen nada sobre la apariencia o personalidad del artista, sino que son visualizaciones científicas de su ser. Estas obras son representaciones húmedas de la transpiración y la respiración del artista centradas en el sudor construido clínicamente, que está hecho sintéticamente para que coincida con la composición exacta de la sal y los minerales presentes en el cuerpo del artista. En su serie de Autorretratos, Sandegård revela la presencia de algo invisible a la vista, traduciéndolo en algo físico.

Invitamos a los visitantes de Pelaires a encontrar su propio camino a través del paisaje natural del exterior del CCA, que es para nosotros, un lugar generoso donde artistas internacionales pueden tomarse un descanso de su entorno habitual al sumergirse en una residencia de un mes de introspección y creación. Como espectador, le animamos a que no sólo recorra la exposición como si se tratara de otra muestra de obras de arte en las paredes, sino que se esfuerce por evocar y repensar sus propias formas de acercarse a la idea del paisaje.

En colaboración con Galeria Pelaires

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